John Roderick is undoubtedly one of the most particular talents from the prolific indie scene in the Northwest of the United States. Heart and soul of The Long Winters , a barely known  band in Spain, Roderick formerly worked as a history professor. Now, this friend and longtime collaborator of artists such as Ben Gibbard or David Bazan, stands out for his ability to create superb pop tunes along with tons of clever lyrics. Despite being in the studio recording the follow-up to Putting The Days To Bed, good old John was kind enough to answer our questions about the band’s current status and everything he’s up to.

“Maybe it’s time to release a solo album”

Arnau Roma – BARCELONA

I have read that you are in the studio right now. How is the new The Long Winters album going and when are you planning to realease it?
We started a new recording over the summer of 2008 with producer John Goodmanson.  Then my wife had a baby, and shortly thereafter two of the Long Winters, Nabil and Jonathan, moved to New York City, so Eric and I were left to finish it on our own.  We built a little studio in the basement and have been working on the recording sporadically ever since. It is hard to say when it will be ready for release, but we hope to have it out by the end of 2009.

You recently released a live DVD album called “Live at the Showbox”. What can we expect from it?
It was recorded at the end of our last big tour in 2007, not long after our shows in Spain of that same year. You can order it directly from our American label, Barsuk, or get it from Amazon.  It’s a fun show, a nice long show in our home town where some friends get up to play with us and we play some covers. I’m happy with how it turned out.

It was a surprise to see you in Barcelona last September. You were not on tour and suddenly you came all the way from the States just to play a bunch of shows in our country. How did this happen?
The Long Winters are lucky.  We always had a very good reception in Spain when we first played there in 2004, and we made good friends with people there right away.  When we get asked to come and play we always try to make it happen, and if the money is right we’ll usually drop what we’re doing and come.  We have a few traditions, like we try to eat the local food in each region we visit, but mostly we just love the audiences there.

The first time I saw you live (February 2007 at La [2], Barcelona) I was surprised at how much you talk and interact with the audience. That day you accepted song requests and you played for almost two and a half hours until the promoters politely kicked you out of the stage. Is it always like this?
We did play for a long time that night, because we had not been to Spain in a long time and wanted to give everyone their money’s worth. I like to talk to the audience too, just to make everyone feel comfortable with us, but I know that in Europe I might talk too much considering that not everyone in the audience understands my English. Plus, my bandmates sometimes ask me not to play for so long because it is very tiring and, after two hours everyone has had plenty of music and just wants to go to the bar and have a beer. But yes, that night in Barcelona we did play for a long time, until the venue was closing, but the audience seemed to like it.

Do you live off the music or do you have a normal life where you work from 9 to 5?
Music is my job, and I spend most of the day thinking about it in one way or another. But I like to work in the garden too, and I sit and stare into space for a few hours a day as well.

Which part of your job as a musician do you like the most and which one do you like the least?
The best part of my job as a musician is that it lets me live my life the way I want.  I travel and play for people, which is what most people consider a vacation or a fantasy.  The worst part of the job is that we are part of the much larger entertainment business, that has its own rules and its own logic, and we are a very small fish.  So we do not get to be as free as we would like.

Nowadays, people download music for free more than ever. Regarding this fact, do you think it is detrimental for the artists or on the contrary it gives them a boost because more people end up listening to what they do?
I know everyone on both sides of the question has a really passionate argument, but I prefer to think of it as a fait accompli. Music is going to be traded among fans and musicians and record labels will have to find other ways to get paid for it. I remember when all the talk was about how cassette tapes and home taping were going to kill the music business, so it’s nothing new. On the other hand, you must know that the “boost your career” explanation is self-serving.

What do you mean?
I get requests all the time to play for free, or let my music be used in a film for free, or to appear for free, and every time the justification is that it will “boost my career”. Most musicians at some point have to say, “THIS is my career, right now, and I need to get paid for THIS work I’m doing. I do not want to be paid in a promise that someday in the future I will be more popular.” If everyone downloads our music for free, and wants us to play for free, it becomes impossible to continue to make music unless your parents are rich.

On the band’s official website, you describe yourself as a “a little bit of a dictator”, an “unlikable and grouchy little Napoleon”  and you say that you have “a sharp tongue”. You always looked nice onstage, so I guess that you were joking…
Thank you for saying so.  I wrote that partly as a joke, and partly because I have a reputation of being “difficult” to work with. Here on the Northwest Coast people are very polite, and they often will not say what is on their mind if something is bothering them.  It is not like Spain, more like Denmark. So people get very upset over small things because their energy is very pent-up.  I do not have this personality and I think people are crazy to bottle up their feelings this way, so people in my part of the country sometimes think I am rude or inconsiderate. I try to make a joke out of it, but the reputation takes on a life of its own. Belive me, in Spain I would be considered very polite.

Good old John. / Source: Seattle Weekly

You have often collaborated with many big names from the Seattle indie scene such as Death Cab For Cutie, Chris Walla or Nada Surf… What’s up with Seattle that all the musicians seem to know each other and get along well?
The Seattle music scene is very close-knit and we are mostly all good friends, although Nada Surf lives in New York and Chris Walla moved down to Portland.  But there are so many good bands coming from there, David Bazan from Pedro the Lion, the Fleet Foxes, J. Tillman and many more. Plus, if you include Portland in the Northwest music scene you have all those great bands, like the Decembrists and Menomena. We are all on good terms together.

You also do some solo shows every once in a while. Have you ever thought of going further down this path and releasing a solo album?
My record label very much would like me to do a solo record, and maybe that is next for me. I like playing solo shows and actually did a European tour with Centro-Matic in Spring of 2006. We played at the Primavera festival, and many other Spanish shows as well. I played a small concert at the Heliogabal in Barcelona that was one of my  favorite shows ever. Also, Eric and I played a show in Madrid, just as a duo, in 2007 that was very enjoyable.

Although being on a literary hiatus, you write articles (some of them, such as “Things your dad won’t tell you about keeping a beard” are hilarious) for the Seattle Weekly. How did this journalistic project arise?
The Seattle Weekly asked me to write a column as part of some publicity they were doing for the paper, like “Check out the rock stars writing in the newspaper!”. They got Duff McKagan (Guns N’ Roses, Velvet Revolver) to write a column too, which I recommend.  I did it just for fun, but people seemed to like it so I kept doing it and only stopped when we started to record. I might pick it up again at some point but I am not interested in being a music journalist. I am sure I will write more prose in my life, but it is hard to say what kind.

Let’s try to define your music: If your band was a Frankenstein made out of several different bands, which ones would these be?
I do not really think of my music in those terms; that’s better left to the critics.  But my band IS sort of a Frankenstein, in the sense that everyone in The Long Winters has played in other bands and brings different influences to the table. Nabil has played the drums in a lot of heavy, glam-rock bands, where Jonathan comes from a total Southern post-rock, math-punk scene. Eric and I are both Pacific Northwest indie-rockers, but Eric is more jammy and prog, while I am sort of a mash-up of different styles of pop.  The different styles influence our music without us even thinking about it.

Finally, the Primavera Sound festival takes place at the end of May. What are the odds of you paying us a visit for the occasion?
Right now we are trying to finish our next record, so we may not come back to Spain until it is finished. We love Primavera, but they probably would rather have us come when we have new music to play. So keep in touch with us, look for us on the internet, and we will be back to Spain as soon as we can.

Roderick rocking it. / Source: Greg Perez's Flickr

Mp3:

The Long Winters – Pushover (gentileza de The Long Winters y Barsuk Records)
The Long Winters – Stupid (gentileza de The Long Winters y Barsuk Records)

John Roderick es, sin duda alguna, uno de los mejores y más peculiares talentos del prolífico panorama indie que existe en el noroeste de los Estados Unidos. Alma máter de The Long Winters , grupo casi desconocido en nuestro país, este otrora profesor de historia, amigo y colaborador de gente como Ben Gibbard o David Bazan, destaca por su enorme facilidad a la hora de componer excelentes melodías pop acompañadas de unas siempre ocurrentes letras. Pese a estar en el estudio grabando lo que será la continuación de Putting The Days To Bed, el bueno de John tuvo la amabilidad de atendernos para repasar la actualidad de la banda y de todo aquello que se trae entre manos.

“Quizá va siendo hora de sacar un disco en solitario”

Arnau Roma – BARCELONA

He leído que estáis metidos en el estudio. ¿Cómo va el proceso de grabación del nuevo disco y cuándo tenéis previsto que salga a la venta?

Empezamos a grabar el nuevo álbum durante el verano de 2008 con el productor John Goodmanson. Entonces mi mujer tuvo un bebé y poco después dos miembros del grupo, Nabil y Jonathan, se mudaron a Nueva York, de modo que la responsabilidad de acabarlo recayó en Eric y en mí. Montamos un pequeño estudio en el sótano y desde entonces hemos ido trabajando en el disco de vez en cuando. Es difícil decir cuándo saldrá a la venta, pero esperamos tenerlo listo a finales de este año.

Acabáis de publicar un DVD en directo titulado “Live at the Showbox”. ¿Qué podemos esperar de él?
Lo grabamos en 2007, al final de nuestra última gran gira y poco después de los conciertos que dimos en España en febrero de aquél mismo año. Se puede comprar directamente en nuestra discográfica americana, Barsuk, o a través de Amazon. Recoge un largo y divertido concierto que dimos en nuestra ciudad. En él, algunos de nuestros amigos suben al escenario para ayudarnos y también tocamos alguna que otra versión. La verdad es que estoy contento con el resultado final.

Fue una sorpresa veros en Barcelona el pasado septiembre. No estabais de gira y, de repente, vinisteis desde EE.UU. sólo para dar un puñado de conciertos en nuestro país. ¿Cómo fue eso?

The Long Winters somos muy afortunados. Nos acogieron muy bien en España la primera vez que tocamos allí en 2004 y enseguida hicimos buenos amigos. Cuando nos piden que vengamos a tocar a vuestro país siempre intentamos decir que sí, y si hay acuerdo económico solemos dejar lo que sea que estemos haciendo para venir. Tenemos una serie de costumbres cuando estamos de visita, como probar la comida local de todas las regiones por las que pasamos, pero sobre todo nos gusta el público español.

La primera vez que os vi en directo (en febrero de 2007 en La [2] de Barcelona) me sorprendió lo mucho que hablabas e interactuabas con el público. Ese día aceptasteis peticiones del público y tocasteis durante casi dos horas y media hasta que los promotores de la sala os echaron del escenario. ¿Todos vuestros conciertos son así?

Esa noche tocamos durante mucho rato porqué hacía tiempo que no visitábamos España y queríamos que el público sintiera que había valido la pena comprar la entrada. Lo de hablar con el público es algo que me gusta y que hago para que todo el mundo se sienta cómodo con nosotros, aunque soy consciente de que en Europa quizá hablo demasiado si tenemos en cuenta que no todos entienden el inglés. Además, mis compañeros a veces me piden no tocar tanto tiempo porqué es muy cansado y tras dos horas de música lo único que quieren es ir al bar y tomarse una cerveza… Es cierto que esa noche en Barcelona tocamos hasta que cerró la sala, pero a la gente pareció gustarle.

Eric, Nabil, John y Jonathan: The Long Winters al completo. / Fuente: Gibson guitars

¿Vives de la música o llevas una vida normal en la que trabajas de 9 de la mañana a 5 de la tarde?

La música es mi trabajo y, de un modo o de otro, paso la mayor parte del día pensando en ella. Aparte de esto, también me gusta trabajar en el jardín y sentarme a observar el espacio unas horas al día.

¿Qué es lo que más y lo que menos te gusta de ser músico?

Lo mejor de ser músico es que puedo vivir mi vida como quiero. Tengo la oportunidad de viajar y de tocar para la gente, algo que para muchos es un sueño o unas vacaciones. Lo peor es que formamos parte del enorme negocio del entretenimiento, que tiene sus propias reglas y su propia lógica, y para el que somos muy insignificantes. No somos todo lo libres que nos gustaría.

Hoy más que nunca la gente se baja música gratis por Internet. ¿Crees que esto perjudica a los artistas o que, por el contrario, les da un empujón porqué así su música llega a una audiencia mayor?

Soy consciente de que ambos bandos tienen argumentos muy sólidos, pero yo prefiero verlo como algo que no tiene vuelta atrás. Los fans no dejarán de intercambiarse música, así que los músicos y los sellos discográficos deberemos encontrar otras formas de ganar dinero por lo que hacemos. Aún recuerdo cuando el debate se centraba en si el casete y las grabaciones caseras acabarían con la industria musical, así que la problemática no es nueva. Por otra parte, quiero dejar claro que lo de “dar un empujón” me parece un argumento muy interesado.

¿A qué te refieres con eso?

A que constantemente me piden que toque sin cobrar, que permita que mi música salga en una película sin pedir nada a cambio o que acuda a un acto gratis, siempre con el argumento de que eso “dará un empujón” a mi carrera. Llega un punto en que la mayoría de músicos nos vemos obligados a decir: “ESTO es mi carrera y NECESITO que me paguen por el trabajo que estoy haciendo. No quiero que me paguen con la promesa de que algún día seré más famoso”. Si todo el mundo se baja música gratis y quiere que toquemos sin cobrar, entonces resulta imposible seguir haciendo música, a no ser que tus padres sean ricos.

En la web oficial del grupo te defines como “un poco dictador”, “un pequeño Napoleón, antipático y gruñón” y dices que tienes “una lengua muy afilada”. Siempre me has parecido un tipo muy afable sobre el escenario, así que debías estar bromeando…

Gracias por el cumplido. Escribí eso que comentas para hacer broma, pero también porqué tengo la reputación de ser alguien con quien es difícil trabajar. En la costa noroeste la gente es muy educada y a menudo no dice nada si algo no les gusta. No es como en España, sino más bien como en Dinamarca. Al contener su energía, muchos se sienten molestos por cualquier cosa. Yo no soy así y creo que guardarse los sentimientos de esta manera es de locos, por lo que mucha gente de mi zona a veces piensa que soy maleducado o desconsiderado. Intenté hacer una broma sobre todo este asunto, pero mi reputación ha cobrado vida propia. Créeme, en España me considerarían un tipo muy educado.

El bueno de John. / Fuente: Seattle Weekly

Has colaborado en varias ocasiones con grandes nombres de la escena indie de Seattle como Death Cab For Cutie, Chris Walla y Nada Surf. ¿Qué tiene Seattle que parece que todos sus músicos se conozcan y se lleven bien?

La escena musical de Seattle está muy unida y la mayoría somos buenos amigos, aunque los miembros de Nada Surf vivan en Nueva York y Chris Walla se haya mudado a Portland. Tenemos muchos y muy buenos músicos y grupos, como por ejemplo David Bazan de Pedro the Lion, los Fleet Foxes o J. Tillman. Si además incluyes Portland en el panorama musical del noroeste tienes infinidad de excelentes bandas como The Decemberists o Menomena. En general nos llevamos todos bien.

También en ocasiones das conciertos en solitario. ¿Te has planteado alguna vez explotar esta vía y sacar un disco por tu cuenta?
Mi sello discográfico estaría encantado de que sacara un disco en solitario, y quizá sea lo siguiente que deba hacer. Me gusta tocar solo y, de hecho, ya hice una gira europea con Centro-Matic durante la primavera de 2006. Tocamos en el Primavera Sound y en muchas otras ciudades españolas. Di un concierto en el Heliogàbal de Barcelona que fue uno de los mejores que recuerdo. En 2007 también hicimos, a dúo con Eric, un concierto en Madrid. Lo pasamos muy bien.

Pese a que en estos momentos estás concentrado en el grupo, escribes artículos (algunos realmente buenos como “Lo que tu padre no te contará sobre cómo cuidarte la barba”) para el Seattle Weekly. ¿Cómo surgió este proyecto tan periodístico?

La gente del Seattle Weekly me pidió que escribiera una columna como parte de una campaña publicitaria que estaban haciendo para el periódico y que decía algo así como “¡No te pierdas a las estrellas del rock escribiendo para el periódico!”. También convencieron a Duff McKagan (Guns N’ Roses, Velvet Revolver) para que escribiera una columna que por cierto te recomiendo. Yo lo hice por diversión, pero como parece que a la gente le gustó decidí continuar la aventura hasta que empezamos a grabar el nuevo disco. Puede que en algún momento retome la columna, pero no me interesa ser un periodista musical. Estoy convencido de que en el futuro escribiré más prosa, aunque no sabría decirte de qué tipo.

Vamos a intentar definir vuestra música: si The Long Winters fuera un Frankenstein compuesto de diferentes bandas, ¿cuáles serían?

No me gusta considerar nuestra música en estos términos; es algo que prefiero dejar para los críticos. Sin embargo, el grupo SÍ que es una especie de Frankenstein en cuanto a que todos los miembros hemos tocado en otras bandas y aportamos diferentes influencias. Nabil ha tocado la batería en una infinidad de grupos de heavy y de glam-rock, mientras que Jonathan proviene de una escena claramente sureña dominada por el post-rock y el math-punk. Eric y yo somos indies del Noroeste Pacífico, pero así como a él le gusta más el jam y lo progresivo, yo soy una mezcla de diferentes estilos de pop. Esta diversidad de estilos influencia nuestra música sin ni siquiera darnos cuenta.

Ya para acabar, el Primavera Sound se celebra a finales de mayo. No tendréis pensado hacernos una visita para la ocasión…

A día de hoy estamos intentando acabar nuestro próximo disco, de modo que no creo que volvamos a España hasta tenerlo listo. Nos encanta el Primavera, pero seguramente preferirán invitarnos cuando tengamos nuevas canciones que ofrecer. Manteneros atentos, no nos perdáis de vista y seguro que volveremos a España tan pronto como podamos.

Roderick en acción. / Fuente: Flickr de Greg Perez

Mp3:

The Long Winters – Pushover (gentileza de The Long Winters y Barsuk Records)

The Long Winters – Stupid (gentileza de The Long Winters y Barsuk Records)

“Nuestra música es perfecta para hacer el amor”

Víctor Solvas – Barcelona

The Seihos no es un grupo novel. Hace más de diez años que ensayan y crean sus canciones, pero ahora empiezan a hacerse un hueco en el panorama musical gracias, en buena parte, a su perseverancia y su promoción desde Myspace. Su bajista, Martí Maymó, está saboreando el éxito con su otra banda, Manel, pero dice que no se plantea abandonar a The Seihos:”cuando eres músico quieres divertirte y tocar lo máximo posible, y con The Seihos me divierto muchísimo”. Y es que The Seihos son diversión, pop clásico con aires psicodélicos. Su música recuerda a bandas como The Strokes o The Kinks, y capta la genialidad de Syd Barrett, a quien consideran una referencia. Llevan tres años anunciando que su disco, The Circus is in Town, está al caer, y esta vez parece que va en serio…

De verdad creen que hoy en día vale la pena sacar un CD?

Cuando eres joven y empiezas a tocar con tu grupo, tu objetivo es sacar un disco algún día. Quizás no valga la pena económicamente, pero supone ver tu trabajo en un soporte material. Es una cuestión más de autorreconocimiento y de fetichismo que no de rentabilidad.

Pero el proceso de creación del trabajo habrá tenido un coste que querrán amortizar…

El disco lo hemos autoproducido, y todo ha salido de nuestros bolsillos, pero no tenemos la sensación de habernos arruinado. De hecho, más barato no podría haber salido. Hemos tenido la suerte de contar con la ayuda de amigos que tenían los medios para hacerlo. El disco ha sido de producción lenta, pero ha sido barato, y suena muy bien. Igualmente, la fuente principal de ingresos principal de grupos y cantantes ya no es la venta de discos.

¿Y cual es su fuente principal de ingresos?

Como grupo, donde más dinero hacemos es en los concierto. De hecho, vamos bastante a Madrid, donde nos van saliendo actuaciones. Además, todos nosotros tenemos bandas paralelas, y así intentamos completar un sueldo suficiente como para vivir de la música.

¿Siendo de Barcelona, como es que van con asiduidad a Madrid?

Aquí, en Barcelona, hay pocas salas de conciertos y muchos grupos, de manera que los precios para alquilar estos locales son prohibitivos. Hay miles de músicos dándose patadas para actuar en Barcelona, pero siempre habrá alguien dispuesto a tocar gratis, y está haciendo daño a los que nos intentamos ganar la vida.

¿En cambio, en Madrid…?

Bueno, además de pasárnoslo de puta madre, hay un circuito más grande, con más oferta de salas, y con un público más dispuesto a ver grupos que no conocen. Aquí en Barcelona la gente es muy fiel a las bandas que acogen, pero a los conciertos de grupos desconocidos como nosotros acaban yendo nuestros amigos y poca gente más. En Madrid hay más cultura, tanto de salas como de público, de apostar por grupos emergentes.

¿Y cómo hicieron el primer contacto para ir a Madrid?

A través del Myspace. Propusimos intercambios a bandas de Madrid, de manera que nosotros íbamos allí acompañando el grupo en cuestión, y después ellos venían aquí y actuaban en Barcelona. Solidaridad entre músicos, es la única manera.

Entiendo que Internet ha sido un factor importante para su promoción…

Sobretodo Myspace, que fue una revolución para gente como nosotros. Además, el boom de Myspace coincidió con la grabación de nuestra maqueta. Desde allí empezamos a promocionarnos colgando nuestras canciones, contactando con otros músicos, y haciendo un poco de spam cuando teníamos actuaciones. La publicidad mueve el mundo, e Internet es un gran medio para promocionarte gratuitamente.

¿Saben hasta que lugares ha llegado su música colgando su maqueta en Internet?

En nuestro Myspaces tenemos un mapa donde quedan marcados los lugares desde donde nos han visitado, y aparecen puntos en el Pacífico de países que no sabía ni que existían. Además, puedes comunicarte con la gente que escucha tu música. Una vez nos envió un mensaje un chico de Méjico diciéndonos que nuestra música es perfecta para hacer el amor con su pareja. Que tu música llegue a lugares tan lejanos es alucinante.

Su bajista, Martí Maymó, además de tocar con The Seihos, también actúa con un grupo reconocido como Manel.

Sí. Manel nació en el momento preciso en el lugar adecuado. Después de muchos años en que los músicos catalanes estábamos cansados del boom del rock catalán de los años ’90 han salido grupos como Antonia Font, Mishima o Manel que han dado un nuevo aire a la música en catalán.

¿Y por qué se mantiene con The Seihos ahora que está teniendo éxito con Manel?

Mi banda original es The Seihos, no Manel, así que la pregunta debería ser por qué empecé con Manel estando con The Seihos. El caso es que, como hemos dicho, todos tenemos bandas paralelas, y lo que pretendemos es divertirnos. Si alguien viene a un concierto de las dos bandas sin conocerlas, seguramente se lo pasará mejor con The Seihos. Con The Seihos me lo paso genial en el escenario, así que no tengo razones para dejarlo.

¿Cuál es el concierto que más recuerdan?

Quizás cuando actuamos en Sidecar, que coincidió con el cumpleaños de Guillem (cantante). La sala no es muy grande, pero estaba llena. Además tocó también un grupo de Madrid con los que estábamos de intercambio, y después pudimos actuar en Costello, dónde también nos lo pasamos muy bien.

Pero antes, una brevísima bio para que le conozcáis un poco mejor:

Guillem Pascual alias BombJack nació hace poquito más de 30 años en Barcelona. De hecho, durante una temporada se publicitó como “el FatBoy Slim de Poblenou”, barrio donde creció. Después de aprender el oficio entre maxis de máquina (bakalao), decidió probar suerte y sacó “Fireworks”, un maxi con cuatro temas del que destacó “(don’t) Respect”, su tema más “mediático”. A ese trabajo siguió “Insert Coin” en 2001, que pese a los modestos medios con los que fue producido llegó a vender unas 1200 copias. A partir de ahí, una carrera enfocada hacia las remezclas y la self production, para acabar trabajando en la escuela de sonido microFusa, en la que ya lleva seis años de profesor.

“Las canciones de hoy parecen singles perfectos: suenan bien pero son impersonales” 

Xevi Goñi – BARCELONA

XEVI GOÑI: Empezaste intentando hacer big beat en un territorio en el que no había ningún tipo de tradición. ¿Cuál era el escenario y qué te influenció?

GUILLEM PASCUAL: Mi influencia a nivel de big beat fue el “You’ve Come a Long Way, Baby” de FatBoy Slim, que me lo empapé de arriba abajo unas 50000 veces. En el primer tema, “Right Here, Right Now”, con violines super épicos, bases super gordas, voces cortadas pero muy bien trabajadas ya dije “hostia, ¡esto es la pera limonera!”. Yo llevaba años haciendo música. Estuve con experiencias bastante… chungas (risas) con discográficas de Barcelona, haciendo maxis de dance y de lo que antes se llamaba makina. Era un aprendiz, tenía 16 ó 17 años y estaba loco por tocar máquinas y claro, aprendí pero nunca me sentí identificado con esa música. A partir del disco de Underworld, “Born Slippy” (1995), fue empezar a hacer cosas.

XG: ¿Por ejemplo? ¿Algo relacionado con la escena?

GP: A nivel de escena yo no conocía nada y un día, probando, cogí un sampler que me encantaba del “Thinking About You” de Radiohead, le puse unas bases sampleadas de un disco de Pizzicato Five y se lo pasé a un tío de una web de fans de Radiohead en Inglaterra.  Y me dijo: “¡hostia!, ¿esto lo has hecho tu? déjame que lo cuelgue” y eso fue lo que hizo que empezara a creérmelo un poco y a decir “intentémoslo”. Con otro sampler de otro grupo que me gustaba mucho compuse “(don’t) Respect”, que era totalmente big beat. Pero es que además fue de rebote, porque fue un regalo de cumpleaños para un amigo de un amigo y hice lo más basto posible. Nos salió una cosa super exagerada que,  de tan exagerado que fue, salió bien. Quizá fui de los primeros pero no hubo demasiada repercusión. La canción salió por la radio y en prensa (Rockdelux), pero ni yo vi que hubiera escena ni me llamaron para ningún concierto para pinchar con gente del rollo… nada.  Había más escena con el breakbeat, que sí tenía algo de movimiento con gente como Stanton Warriors, Freestylers, Frescanova o Lo-Fidellity Allstars. Ellos si que montaron un poco de “follón”.

XG: También había otros nombres, como Wiseguys. No sé si los consideras big beat…

GP: Eran la parte más recreacional, se lo tomaban todo un poco en coña. Bueno, no en coña, sino que tenían un sentido del humor muy marcado. Es como el caso de Bentely Rhythm Ace: intentaron hacer una caricatura aprovechando el carácter festivo del big beat/break beat, se quedaron un poco cortados y no supieron crecer. Igual que Propellerheads. Sacaron un segundo disco pero pasó muy desapercibido, como si fuera un “History Repeating” parte II y la cagaron un poco. De Wiseguys recuerdo el “Oh La La”, que fue un hit para bailar y aún lo es, pero esteticamente se quedaron un poco atrás y no han evolucionado.  Por ejemplo, un tío que se ha tirado mucho a lo comercial pero que no ha estado mal ha sido Junkie XL. Es muy comercial pero su segundo disco, “Big Sounds of the Drags”, te gustará muchísimo si te gustan Freestylers o FatBoy Slim. Este tío mezcló muy bien electrónica de club de principios e los 90 hacia un sonido más de estadio.

XG: Aquella época también era la del apogeo de David Nicolau (An Der Beat), que saltó a la fama con “!Knuf”. ¿Crees que habría sido una buena asociación para dar impulso a tu sueño?

GP: ¿Sabes qué pasa? Que el sueño del que hablas vino un poco de repente. Yo no estaba por la gente que estaba metida en el rollo… Con David sí que podríamos haber hecho algo pero creo que él ya tenía muy definida su línea. Desde la discográfica ya me comentaron “harás algún proyecto con él” para algún recopilatorio o alguna cosa de estas, pero nada de trabajar juntos. Yo le veía como “vale, ¡es An Der Beat!” pero nunca tuve relación con él ni me lo crucé nunca en la discográfica.

XG: ¿Te parece que la radio de aquel momento o la actual favorecía/favorece que aparecieran/aparezcan nuevos estilos (big beat, drum’n’bass, minimal, etc.)?

GP: La de ahora no. (risas) Hablas con gente y dicen que echan en falta música que desde su punto de vista no es tan underground.  Ahora mismo lo veo un poco imposible porque las radios sobreviven gracias a la publicidad, el dinero que les dan las discográficas es prácticamente nulo al venderse menos discos: cada vez más gente se baja la música de Internet, a la gente le interesa menos la radio… La gente que lleva 10 o 15 años escuchando la radio (Maxima FM, Flaix FM, Los 40 o Radio 3)  tiene un bagaje . La gente nueva ya lo coge todo de Internet, así que no creo que ahora se den las condiciones.

XG: ¿El futuro pueden ser, entonces, emisoras de Internet estilo ScannerFM?

GP: Sí… Pero es que sobre lo que decías antes de la radio, fue un momento que coincidió con el estallido de la música electrónica. Y además de calidad, porque para que haya una escena tiene que haber calidad. En los 96, 97, 98 hubo un gran boom y tanto Televisió de Catalunya, como Flaix FM, los medios de prensa escrita, el boca boca en la calle, las fiestas que se hacían, la programación de los clubs, etc., estaba enfocada hacia eso: explotar el Sónar, la electrónica. Lo de ScannerFM tiene una gran vertiente y es que ellos han conseguido estar ahí porque han trabajado mucho sobre Internet y la gente lo escucha muchísimo. Además, vas a su web y ves que tienen mucha colaboración del público, lo que te da la sensación de pensar que es  un medio más accesible. Si entrara algo nuevo en la cultura radiofónica habría que trabajarlo mucho, porque el perfil del oyente ya está muy definido y el camino también lo está bastante. 

XG: De los que fueron gurús de la música de aquella época ¿quién crees que ha mantenido más la esencia?

GP: Los que más fieles han sido consigo mismos han sido Prodigy. Para mí, los únicos porque FatBoy Slim se ha bajado los pantalones descaradamente, igual que Chemical Brothers. Lo que pasa es que Chemical es un caso curioso porque han tirado más hacia la música de baile, sin prejuicios y sin pensar que venían del breakbeat o del big beat. Es decir, han seguido con su estética musical pero han tirado más hacia la música de baile. Del resto… hay gente que se ha vuelto más pop y hay otros que se han vuelto más clubbers, en plan Ibiza. Pero de los “mayores”, Prodigy.

XG: Y con el reducto de fans de estos grupos, ¿qué crees que pasará? ¿Cuántos años más de vida les das?

GP: Prodigy dijeron que lo dejaban hace unos cinco años pero parece que han vuelto. No sé, yo no les veo mucha perspectiva. Creo deberían cambiar un poco el estilo, porque la gente que va a verlos hoy en día quizá es gente que los ha descubiero ahora, pero a nivel compositivo los veo muy justitos actualmente. Lo que triunfó en los 90 fue que la música era muy mental: estaba muy trabajada en ese aspecto. Por ejemplo, el primer álbum de FatBoy Slim, “Better Living Thru Chemistry”, era sencillo pero estaba muy bien pensado y los temas estaban muy bien pegados: era un disco cohesionado. Las canciones de hoy parecen singles perfectos: suenan bien pero son impersonales. No hay aquella mentalidad de intentar ir un poco más allá.

XG: ¿Sirvieron los videojuegos de trampolín para dar a conocer música de este tipo?

GP: Totalmente, se veía en la tele con los anuncios del FIFA. Hasta que no salió la Play Satation en el 96 no había una publicidad tan agresiva que mezclara estética moderna, gente joven, música electrónica: lo mezclaron todo en un mismo pack. ¿Qué pasó? Que la Play Station se convirtió en una consola para gente joven, y la música que escuchaban, que era bastante underground, fue captada por los publicistas que estuvieron listos. Wipeout, con una banda sonora en plan techno o IDM, metió esa música en la cabeza de mucha gente e hizo que se empezara a escuchar Orbital, Chemical Brothers, Fluke… Y pensabas ¿cómo pueden escuchar esto? Y fue porque la Play Station se convirtió en una consola muy seria desde el punto de vista musical.

XG: Pues eso es todo, ¡muchísimas gracias!

GP: Un placer.

Pero todo esto hay que presentarlo un poco mejor, así que desde GamaSonora dedicaremos un par de entradas al big beat. La primera (que ahora mismo estáis leyendo) servirá para introducirlo y la segunda para analizarlo desde la entrevista a un testigo de excepción: Guillem Pascual (alias Bombjack), ex-productor de big beat barcelonés.

Una vez hecha la presentación, al tema.

La década de los 90 fue el laboratorio sobre el que experimentaron una gran cantidad de productores británicos buscando su “alma”. Fue la época de consolidación de la electrónica como estilo y del dance, house, breakbeat o trance como géneros. De una mutación de alguno de ellos (breakbeat), aderezada con toques de acid house, samples de jazz o rock y bases cercanas al techno salió lo que empezó a llamarse big  beat y que FatBoy Slim apadrinó para llamar a la sesión de los viernes en el extinto Concorde de Brighton: The Big Beat Boutique.

Pero Norman Cook (nombre real de FatBoy) no estaba solo en esa cruzada. A su alrededor se forjó una hornada de artistas que contribuyeron en mayor o menor medida a la difusión del estilo. Los que más se acercaron fueron The Chemical Brothers, The Prodigy, Underworld o The Crystal Method, pero hubo otros productores “satélites”, como Apollo 440 (¿quién no recuerda su “Stop The Rock”?), Groove Armada, The Wiseguys, o Propellerheads:

Uno de los mayores momentos de gloria del el big beat (sino el que myor) llegó con la salida al mercado de “You’ve Come a Long Way, Baby”, segundo LP de FatBoy Slim y que además del mítico “Rockefeller Skank” presentó temas de la envergadura de “Right Here, Right Now” o “Soul Surfing”. Un año antes había aparecido “The Fat of the Land” de Prodigy, álbum que ya destapó alguna joya como “Firestarter” o el gran “Smack My Bitch Up”, que causó furor escuchado… y visto:

De Chemical Brothers sobresalió “Dig Your Own Hole” (1997) pero sobre todo “Surrender” (1999), donde aparecieron el “Hey Girl, Hey Boy” y “Out Of Control”. El papel de The Crystal Method se limitó a temas que tuvieron poca salida. Quizá lo que más popularizó a este grupo americano, igual que a FatBoy u otros, fue la incursión de sus canciones en videojuegos de la PlayStation como el ya mencionado FIFA, Wipeout o Roll Cage.

Pero a principios de 2000 (casi) todo empezó a cambiar.  En 2001 Chemical Brothers presentó “Come With Us”, un disco con grandes canciones como “Star Guitar” o “The Test”, pero que se alejaba bastante del big beat. Fatboy Slim por su parte sacó “Halfway Between the Gutter and the Stars” también lejos del sonido de su anterior álbum. Y no se puede decir que con el paso del tiempo las cosas mejoraran. En general, el proceso de cambio acercó a la mayoría de formaciones que tenían algo o todo de big beat a públicos comerciales. Eso fue lo que pasó también con Groove Armada, Junkie XL o The Wiseguys que, una vez separados, se metieron en el mundo del electro. ¿Alguien que (no) haya cambiado (poco)? Prodigy, sin duda.

Y hoy en día, lo que se puede decir del panorama es… que no hay panorama. Poco o nada queda de aquella música. Muchos nombres en activo que se han reciclado por distintos caminos pero sólo vinilos, cds e incluso cassettes de esa música. Esa música que quedará para siempre asociada, por ejemplo, a los anuncios de Adidas.

Todo empezó en enero de 2008 con el sorprendente anuncio de que, tras 15 años, Leonard Cohen había decidido volver a los escenarios. Los motivos eran puramente económicos, puesto que el canadiense estaba arruinado después de que su antiguo manager se hubiera llevado gran parte de su fortuna. Esto cernía algunas dudas acerca de la calidad y las ganas de un Cohen anciano que se aproximaba a los 74 años de edad. Sin embargo, el 11 de mayo de ese mismo año los fantasmas de desvanecieron con el primer concierto del artista en Fredericton, New Brunswick. El regreso del mito era un hecho, y tras unos conciertos de calentamiento por su Canadá natal, Leonard Cohen inició el 6 de junio en Toronto una gira que le iba a llevar por todos los rincones de Europa.

Primero fueron los festivales de verano, entre ellos el FIB (en lo que hasta ahora ha sido su única fecha en España), donde ofreció una breve pero exquisita actuación que sin duda dejó con ganas de más. Ya en otoño, la gira continuó por el viejo continente en medio de los elogios unánimes de crítica y público, y llegó a su punto culminante en los recitales que el artista ofreció en los míticos Royal Albert Hall de Londres y Olympia de París. El show, siempre con un setlist parecido, seguía un mismo patrón: 3 horas divididas en dos partes de una hora aproximadamente y un colofón final con tres bises. Casi nada.

Pero el hombre no para, y tras otro (no tan) extenso tour por Australia y Nueva Zelanda y su primer concierto en los EE.UU. en 15 años (en el formidable Beacon Theatre de Nueva York), ha anunciado una nueva gira por norteamérica que podría continuar en verano con una nueva tanda de festivales (el de Coachella, en abril ya está confirmado) y conciertos por Europa (¿esta vez en nuestro país, quizás?).

Ahora, Cohen ofrece para todos aquellos que no pudieron verle en directo la posibilidad de disfrutar de su espectáculo en casa. El CD/DVD en cuestión puede reservarse ya en Amazon y tiene un setlist de padre y muy señor mío, aunque con la dolorosa ausencia de “The Partisan”. Si aún no están salivando, vean un avance de semejante maravilla y acaben de decidirse. Y para los convencidos, no se pierdan la monumental interpretación del partisano en París, ciudad donde la canción adquiere todo su significado.

Por último, una interesante entrevista con el promotor de la gira, Rob Hallett, quien cuenta cómo logró convencer al maestro para que volviera a coger una guitarra y dejara que su voz nos acariciara los tímpanos una vez más. A los dos, a sus pies.

Como bien decía Jordi Bianciotto en su crónica del concierto en El Periódico,  no es fácil ser fan de Tindersticks. De hecho, no lo ha sido nunca, pero mucho menos ahora, tras cinco años llenos de titubeos para la banda de Stuart Staples. Los de Nottingham regresaban a Barcelona nueve meses después de su discreto paso por el Primavera Sound, festival en que por motivos varios (recinto, horario, su estilo sobrio y sosegado…) nos dejaron un regusto agridulce. Esta vez volvían para (re)presentarnos su más que notable The Hungry Saw, y a buena fe que aprobaron la reválida.

Abrió la noche el irlandés David Kitt, un tipo bastante tímido y de aspecto desgarbado que, sin embargo, supo caer en gracia a las más bien pocas almas que en aquellos momentos poblaban la sala Pau Casals de l’Auditori. Con dos guitarras (una eléctrica y una acústica o española) y algunas bases  pregrabadas en su iBook (¿por qué todos los músicos llevan el mismo?) como única ayuda, el señor Kitt se las apañó para entretener al respetable durante algo más de media hora. De acuerdo que no hizo nada espectacular ni memorable, pero también es verdad que el cantautor no desentonó lo más mínimo.

Finalmente, y con puntualidad británica, la megafonía del recinto nos anunciaba que el espectáculo estaba a punto de comenzar. El día (domingo), el frío y el precio de las entradas (de 30 a 45 €) no hacían presagiar un lleno absoluto, de modo que nadie se sorprendió de que l’Auditori sólo presentara tres cuartos de entrada. Sea como fuere, había ganas de ver a los regenerados Tindersticks (recordemos que durante este parón de cinco años la formación ha perdido a tres de sus seis miembros originales) en una sala que se antojaba idónea para sus características, de manera que cuando sonaros los primeros acordes de Introduction el silencio y la expectación eran máximas.

Por suerte, las dudas quedaron disipadas al instante. Yesterdays Tomorrow sonaba como los ángeles y la banda se mostraba como hacía tiempo que no se la veía: engrasada, segura de sí misma y con ánimos renovados, aunque sin perder su habitual elegancia, sobriedad y parquedad de palabras. Centrándose en su último disco tanto al inicio como al final de la actuación, los ingleses también rescataron a lo largo de hora y media algunos de sus grandes éxitos (Dyin’ Slowly, Sleepy Song, la final My Sister o la enorme City Sickness), pese a que se dejaron en el tintero joyas como Marbles, Patchwork o la imprescindible Travelling Light. Tan solo falló en ocasiones el ritmo del concierto, y es que uno a veces tuvo la sensación de que Stuart y los suyos pasaban de momentos de gran emotividad a una monotonía algo soporífera en un abrir y cerrar de ojos. Nada grave, sin embargo, puesto que Tindersticks nunca ha sido un grupo de mayorías y, por consiguiente, ser fan suyo tampoco ha sido (ni es ni será) nada fácil.

El setlist:

Introduction
Yesterdays Tomorrows
The Flicker Of A Little Girl
She’s Gone
E-Type
The Other Side Of The World
The Organist Entertains
Dyin’ Slowly
City Sickness
Say Goodbye To The City
Sleepy Song
My Oblivion
The Hungry Saw
Boobar Come Back To Me
All The Love
The Turns We Took
——————-
Feel The Sun 
Her
My Sister

Y algunas fotos más:

Disc dels Manel firmat

Un ejemplo del nuevo orden que impera en la música en catalán. Esto es lo que pudo presenciar el público que el pasado 7 de febrero se acerco a la Faktoria de la Rasa para ver a Manel en concierto. Un nuevo orden encabezado por grupos como Antònia Font, Mishima, Mazoni y los propios Manel. Estos grupos han entendido que el futuro de la música en catalán no pasa por utilizar dulzainas groseras, ni violines cascados, ni cantantes con estética hippie e ideario burgués (¡que dejen el folk para los que saben!), ni por continuar explotando la fórmula que ya gastaron Els Pets, Sopa de Cabra y Sau en los ’90. Manel, como el resto de grupos de esta nueva generación de bandas en catalán, se divierten, tienen personalidad propia, y, sobretodo, hacen lo que quieren. Y lo hacen muy bien.

Ni un sonido sospechoso, ni la falta de recursos instrumentales estropearon una gran noche de música. Manel tiraron de carisma, imaginación, originalidad, buen humor y ganas de pasarlo bien para conectar con el público; y lo consiguieron. Pero todo esto no sirve de nada sin buenas canciones, y los barceloneses tienen un disco lleno de temas redondos y letras inteligentes (Els millors professors europeus, Discmedi, 2008). Si usted decide asistir alguna vez a un concierto de Manel prepárese para gozar de un viaje sideral con una Dona Estrangera, filtrear con la dependienta de Ceràmiques Guzman, transformarse en un habitante de la Roma imperial, o pasar un rato cerca de El mar. A todo esto se suman momentos delirantes, como cuando se lanzan con una versión en catalán de la canción de Alejandro Sanz y Shakira, La tortura (¡y suena bien!), y otros momentos de máxima comunión con el público, como cuando ceden el escenario al respetable para que canten sus versos acompañados de la música de Corrandes.

Si no sabe qué hacer el fin de semana, visite el Myspace de Manel, busque cuando y dónde harán su próximo concierto, y no lo dude. Con un material tan bueno como el que tienen los barceloneses, y con el buen trabajo que hacen sobre el escenario es difícil que salga decepcionado. Al contrario, muy probablemente saldrá con ganas de repetir. Y es que Manel es un grupo que apetece.

“Mire, pero es que esta gente canta en catalán…”

“Oiga…¿usted quiere gozar con música de calidad?…Pues escuche a Manel, ¡coño!”

Disc dels Manel firmat

Un exemple del nou ordre imperant en la música en català. Això és el que va poder presenciar el públic que el passat 7 de febrer es va apropar a la Faktoria de la Rasa (Terrassa) per a veure als Manel en concert. Un nou ordre encapçalat per grups com Antònia Font, Mishima, Mazoni i els propis Manel. Tots ells han entès que el futur de la música en català no passa per utilitzar gralles grolleres, ni violins tronats, ni cantants amb estètica hippie i ideari burgès ( que deixi’n el folk pels que en saben!), ni per continuar explotant la fórmula que ja van gastar Els Pets, Sopa de Cabra i Sau als ’90. Manel, com els altres grups d’aquesta nova onada de música en català, es diverteixen, tenen personalitat pròpia, i, sobretot, fan el que volen. I ho fan molt bé.

Ni un so sospitós, ni la falta de recursos instrumentals van espatllar una gran nit de música. Els Manel van tirar de carisma, imaginació, originalitat, bon humor i ganes de passar-s’ho bé per connectar amb el públic; i ho van aconseguir. Però tot això no serveix de res sense bones cançons, i els barcelonins tenen un disc ple de temes rodons i lletres intel·ligents (Els millors professors europeus,Discmedi, 2008). Si vostè decideix assistir alguna vegada a un concert de Manel preparis per gaudir d’un viatge sideral amb una Dona Estrangera, filtrejar amb la dependenta de Ceràmiques Guzman, transformar-se en un habitant de la Roma imperial, o passar una estona a prop de El mar. A tot això s’hi sumen moments delirants, com quan es llacen amb una versió en català de la cançó d’Alejandro Sanz i Shakira, La Tortura (i sona bé!), i altres moments de màxima comunió amb el públic, com quan cedeixen l’escenari al respectable per a què cantin els seus versos acompanyats de la música de Corrandes.

Si no sap que fer el cap de setmana, visiti el Myspace de Manel, busqui quan i on faran el seu proper concert i no dubti en anar-hi. Amb un material tan bo com el que tenen els barcelonins, i amb la bona feina que fan sobre l’escenari és difícil que hi surti decebut. Al contrari, molt probablement sortirà amb ganes de repetir. I és que Manel és un grup que ve de gust.

“Miri, però és que aquesta gent canta en català…”

“Escolti…vostè vol gaudir amb música de qualitat?…Doncs escolti Manel, collons!”

Cierto es que en tiempos de la era digital y de los mp3 los discos en directo (ahora se estilan los DVD, aunque a la gente de Pitchfork parece que les gustó el último disco en directo de José González) y los recopilatorios son un fenómeno cada vez más extraño y, por regla general, un experimento condenado al fracaso. Sin embargo, cuando uno se topa con la constelación de artistas que nos ocupa no puede hacer sino sucumbir ante la evidencia de que algunos recopilatorios SÍ valen la pena. Es es el caso de Dark Was The Night, la última iniciativa de la Red Hot Organization, una organización (y valga la repetición) internacional que lleva 20 años luchando contra el fatal virus del VIH “a través de la cultura popular”.

Así pues, su vigésima recopilación verá la luz el próximo día 16 de febrero en todo el mundo (a excepción de Norteamérica, donde saldrá un día más tarde) mediante el sello 4AD, hogar de bandas ilustres como The Mountain Goats, The National, Deerhunter, Bon Iver o M. Ward. Producida por los hermanos Aaron y Bryce Dessner de The National (lo cual es sinónimo de buen gusto y toda una garantía), Dark Was The Night se editará en tres formatos distintos: doble cd, triple vinilo o descargas digitales. En ellos se dan cita todos y cada uno de los mejores y más populares artistas indie del momento: de Arcade Fire a Sufjan Stevens pasando por The Decemberists, Iron and Wine, Feist o Stuart Murdoch, cantante masculino de Belle & Sebastian. Un total de 31 canciones divididas en colaboraciones especiales (ojito a la de Feist y Ben Gibbard de Death Cab For Cutie), versiones inéditas y nuevas canciones propias que de buen seguro dejarán más que satisfechos a las hordas de fans de tan impresionante elenco de artistas (es que no falta ni uno, oigan). El tracklist:

THIS DISC
1 Knotty Pine – Dirty Projectors + David Byrne
2 Cello Song (Nick Drake) – The Books featuring Jose Gonzalez
3 Train Song (Vashti Bunyan escrita por Alasdair Clayre) – Feist + Ben Gibbard
4 Brackett, WI – Bon Iver
5 Deep Blue Sea – Grizzly Bear
6 So Far Around the Bend – The National (arreglos de Nico Muhly)
7 Tightrope – Yeasayer
8 Feeling Good (popularizada por Nina Simone) – My Brightest Diamond
9 Dark Was the Night (Blind Willie Johnson) – Kronos Quartet
10 I Was Young When I Left Home (Bob Dylan) – Antony + Bryce Dessner
11 Big Red Machine – Justin Vernon + Aaron Dessner
12 Sleepless – The Decemberists
13 Stolen Houses (Die) – Iron and Wine
14 Service Bell – Grizzly Bear + Feist
15 You Are The Blood – Sufjan Stevens

THAT DISC
1 Well-Alright – Spoon
2 Lenin – Arcade Fire
3 Mimizan – Beirut
4 El Caporal – My Morning Jacket
5 Inspiration Information (Shuggie Otis) – Sharon Jones & The Dap-Kings
6 With A Girl Like You (The Troggs) – Dave Sitek
7 Blood Pt 2 (basada en la canción “You are the Blood” de Castanets) – Buck 65 Remix (featuring Sufjan Stevens and Serengeti)
8 Hey, Snow White (Destroyer) – The New Pornographers
9 Gentle Hour (Snapper) – Yo La Tengo
10 Another Saturday (canción tradicional) – Stuart Murdoch
11 Happiness – Riceboy Sleeps
12 Amazing Grace (canción tradicional) – Cat Power and Dirty Delta Blues
13 The Giant Of Illinois (Handsome Family) – Andrew Bird
14 Lua – Conor Oberst + Gillian Welch
15 When the Road Runs Out – Blonde Redhead + Devastations
16 Love vs. Porn – Kevin Drew

No le teman a Dark Was The Night porqué, al contrario de lo que es habitual en este tipo de iniciativas, la música no es lo de menos y las bandas no se limitian a participar. Apenas hay cortes desdeñables, y si bien no estamos ante lo mejor que dicha gente ha publicado, sí se trata de una obra ecléctica la mar de interesante. Mientras esperan a que llegue el lunes, pueden escuchar algunos de los temas tanto en la web como en el myspace oficial (donde cada día ponen una nueva canción en stream).

Hace tiempo que semejante all-star de músicos se filtró, pero háganme caso, en vez de descargárselo dejen de tomarse 3 cervezas este fin de semana y gástense los escasos 10 € que cuesta esta fantástica colección de canciones. Es por una buena causa, y su oído (pero también su hígado) se lo agradecerá.